EXPOSICIONES

Centro Cultural Eugenio F. Virla
25 de mayo 265
del 7 al 30 de octubre de 2026

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Introspectiva reúne una selección de más de cuarenta años de trabajo fotográfico de Ataúlfo Pérez Aznar, concebida no como una retrospectiva convencional sino como la construcción de un discurso visual sobre la totalidad de su obra. Las imágenes, realizadas en distintos momentos y territorios, se articulan buscando revelar una mirada coherente sobre el ser humano, sus vínculos, su entorno y los procesos históricos y culturales que atraviesan América Latina.

La exposición propone establecer relaciones entre tiempos, espacios y situaciones diversas, entendiendo la edición como una instancia fundamental de creación. Fotografías familiares, escenas urbanas, conflictos sociales, rituales, paisajes y cuerpos dialogan entre sí para construir una mirada que trasciende los temas particulares y reivindica la fotografía como medio de expresión, conocimiento y reflexión.

Más que ofrecer respuestas, Introspectiva invita al espectador a recorrer esas múltiples conexiones y elaborar su propia lectura frente a las imágenes.

Centro Cultural Eugenio F. Virla
25 de mayo 265
del 7 al 30 de octubre de 2026

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Del archivo a la calle: Martín Chambi

Exponer fotografía es, en esencia, una forma de reabrir el tiempo. Esta exposición propone un diálogo en tres dimensiones y escalas temporales: la obra monumental de Martín Chambi (1891-1973) como matriz visual de la memoria andina, la intervención socio-urbanística impulsada por la investigadora y curadora Silvia Spitta en el trazado urbano del Cusco, y el ensayo documental-autoral de Julio Pantoja, quien interpreta y problematiza la huella de esa acción en la ciudadanía.

1. El archivo y su «afuera»

Durante décadas, la obra de Martín Chambi —compuesta por miles de placas de vidrio que registran la complejidad social, identitaria y cultural de los Andes— permaneció bajo la rigurosa protección de sus herederos, Víctor y Julia Chambi, y su nieto Teo Allaín Chambi. Si bien la invisibilidad funcionó como una garantía de resguardo frente al deterioro o la dispersión del patrimonio, un archivo cobra su auténtica dimensión cívica al salir al encuentro de la comunidad. Asumiendo la máxima de Jacques Derrida de que «no hay archivo sin un afuera», esta muestra plantea la urgencia de equilibrar la preservación con la activación pública del bien cultural común.

2. La ciudad como espejo: La intervención de Silvia Spitta (2014)

Con el propósito de devolver la fotografía a su espacio originario, Silvia Spitta concibió una acción socio-urbanística junto a Teo Allaín Chambi: la digitalización de placas de vidrio para emplazar 32 gigantografías en las mismas calles del Cusco donde fueron tomadas un siglo atrás. En 2014, las imágenes de Chambi irrumpieron en la cotidianeidad de los transeúntes, superponiendo la memoria histórica sobre la vida urbana contemporánea. La célebre síntesis de Teo Allaín, «Rompió el ojo», dio cuenta del efecto de la muestra: deshabituar la percepción habitual y obligar a los habitantes a redescubrir su propio entorno a través del espejo del pasado.

3. Julio Pantoja: La meta-imagen y sus tres niveles

Invitado por Silvia Spitta para realizar un ensayo autoral sobre esta experiencia, el fotógrafo Julio Pantoja construye una reflexión sobre la meta-imagen (la foto dentro de la foto), articulando su mirada en tres niveles superpuestos:

• La potencia de la imagen matriz: La presencia plástica, histórica y simbólica de la fotografía originaria de Chambi.
• El diálogo con la calle: La captura de las gigantografías interactuando con la luz, la arquitectura cusqueña y los transeúntes.
• La inmersión en el detalle: El adentramiento de la cámara de Pantoja en el interior de los encuadres de Chambi para aislar pequeños fragmentos y revelar microhistorias autónomas contenidas en la escena original.

Al cruzar el archivo histórico, la gestión urbana y la metafotografía, esta exposición trasciende el homenaje para transformar la calle en un territorio activo de reflexión estética, espacio público y memoria compartida.

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© Alena Grom Albina

Centro Cultural Eugenio F. Virla
25 de mayo 265
del 7 al 30 de octubre de 2026

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La International Photography Festivals Association (IPFA) llevó a cabo con éxito la convocatoria abierta del IPFA Award entre noviembre de 2025 y enero de 2026, reuniendo a fotógrafos y artistas de todo el mundo. Concebido como algo más que un premio tradicional, el IPFA Award funciona como una plataforma internacional para explorar, compartir y transformar la fotografía contemporánea, conectando fotógrafos con festivales, curadores y públicos a nivel global.

Las obras presentadas fueron revisadas por directores y curadores del Abuja International Photo Festival (Nigeria), Belgrade Photo Month (Serbia), Bienal Argentina de Fotografía Documental (Argentina), Budapest Photo Festival (Hungría), Colombia Foto Fest (Colombia), Experimental Photo Festival (España), Festival de Fotografia de Paranapiacaba (Brasil), Festival Foto Brasil (Brasil), Fokus Award (Albania), Fotofestival Pelt (Bélgica), f/stop (Alemania), Humanisme Vision (Francia), Le vie delle Foto (Italia), Les Boutographies (Francia), MontPhoto (España), PhotoNOLA (Estados Unidos), Photometria (Grecia), Photoworks (Reino Unido), Street Photography Barcelona Festival (España) y Tomar la calle fotofest (México). Cada uno actuó como jurado y comisario de su propia exposición. Como resultado, los artistas seleccionados participarán en 20 exposiciones presentadas en estos festivales, ampliando su visibilidad y proyección internacional.

Además, 50 artistas finalistas han sido seleccionados para participar en una exposición colectiva que se inauguró el 19 de marzo de 2026 en la Sala Golfes, la galería oficial de IPFA en Barcelona , y la exposición continúa su recorrido por diferentes festivales asociados.

Centro Cultural Eugenio F. Virla
25 de mayo 265
del 7 al 30 de octubre de 2026

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El peso específico del placer es una serie fotográfica que pone en relevancia el deseo femenino. Creada desde la mirada de una fotógrafa, mujer y madre, que trabaja con el concepto de erotismo contemporáneo, plantea nuevas subjetividades. De esta manera, se pone en perspectiva la mirada sobre los cuerpos, el deseo y el placer. Las fotografías son digitales, toma directa. La intención es generar un mundo onírico donde las fantasías puedan transcurrir.

“En las obras, la dualidad se instala en los múltiples lenguajes que narran una ficción personal e íntima. El relato de la casa aparece como la dualidad, la ambivalencia de la coexistencia de los ciclos de la vida de una mujer y su retrato social.

La artista, desde un rosa amoroso, habla de la densidad de las emociones al transitar las paradojas del deseo: cómo una mujer es maternal y, a la vez, sexuada, activa y no doméstica.

Los artistas, con sus obras, redefinen las subjetividades sociales, creando un nuevo territorio de legitimidad. La obra de Lulú crea una nueva condición femenina donde el placer abre sus puertas y se reinstala en el hogar. Esta doble tensión y los múltiples alter egos permiten a la máscara femenina enunciar la verdad del deseo de forma ética y poética.

Nuestra heroína de cabellos rosas, frente al espejo, abre un nuevo camino al deseo, aquel poderoso espacio de fuerza que cada mujer encarna en su cuerpo.”

Fabiana Barreda

MUNT - Museo de la UNT
San Martín 1545
del 8 al 30 de octubre de 2026

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Buscando al Perro Familiar. Entre imágenes, historias y escombros.
(2018–en curso)

“Dicen que recorre los cañaverales durante las noches de luna llena, en busca de sacrificios.” 


— Leyenda del noroeste argentino

Buscando al Perro Familiar es un proyecto documental colaborativo que se desarrolla en los territorios azucareros de Tucumán. A partir de una relectura de la leyenda del Familiar —un perro misterioso que, según la tradición, habita los ingenios y los cañaverales—, el proyecto explora los espacios donde la historia oficial se entrelaza —y también se fragmenta— en narrativas, memorias, mitos y fantasmas que insisten en aparecer.

Este relato, que escuché por primera vez en la sobremesa de un asado, es el prisma y la excusa que encontré para volver a mirar la historia argentina. Para hacerle frente a sus complejidades, sus esquirlas, escombros y espectros.

Buscando al Perro Familiar continúa La memoria es un pantano (2016–), una serie de investigaciones de largo aliento que tienen como punto de partida mitos, leyendas urbanas y tradiciones orales para reimaginar y recontar estas narrativas en contextos contemporáneos. A lo largo de la serie, el trabajo colaborativo y el desplazamiento de perspectivas permiten examinar cómo se construyen las historias y cómo la memoria se transforma con el tiempo.

Por medio de materiales de archivo, fotografías, ilustraciones, talleres, imagen en movimiento y relatos orales, el proyecto Buscando al Perro Familiar recorre las historias de la industria azucarera. El azúcar tuvo un papel central en la formación económica, política y social de Tucumán y estuvo estrechamente ligado a los procesos de construcción del Estado argentino, a sus estructuras de poder y a las mitologías poscoloniales que contribuyeron a construir su identidad. Son historias que aparecen y desaparecen en conversaciones, recuerdos, libros, leyendas y relatos transmitidos de generación en generación. Sus huellas todavía retumban en los territorios y las comunidades.

El mito del Familiar o Perro Familiar forma parte de esas huellas. Con distintas versiones y orígenes, la leyenda aparece ligada a los ingenios y al poder de sus propietarios. También ha sido entendida como una forma de control sobre los trabajadores: una presencia sobrenatural capaz de infundir miedo allí donde las relaciones de poder eran profundamente desiguales.

En 1966, el cierre de once ingenios azucareros durante la dictadura de Onganía produjo una profunda transformación económica y social en la provincia. Comunidades enteras quedaron sin su principal fuente de trabajo y una parte importante de la población tuvo que migrar. A partir de entonces se abrió un complejo ciclo de transformaciones y conflictos sociales y políticos que se prolongaría durante los años siguientes, atravesaría la última dictadura militar argentina, entre 1976 y 1983, y continuaría con el retorno a la democracia. Un período histórico cuyos ecos todavía resuenan en el presente a través de sus fantasmas y de sus arquitecturas jurídicas y económicas. Los cierres dejaron una herida, visible e invisible, que aún perdura en las memorias de quienes vivieron aquel período y de las generaciones siguientes.

El proyecto se construye a través de intervenciones individuales y colectivas, como el taller realizado en el Ingenio de las Artes —el antiguo ingenio azucarero Lastenia, hoy recuperado y reconvertido en centro cultural—, donde creamos el Archivo Comunitario de Lastenia junto con un grupo de vecinos. El objetivo del archivo es reunir las memorias del pueblo de Lastenia a través de relatos, fotografías y documentos de la comunidad, recuperando patrimonios y experiencias que van más allá de las chimeneas.

En este proceso, la leyenda del Perro Familiar vuelve a aparecer, pero no necesariamente como una criatura al servicio del poder. El proyecto se pregunta qué sucede si cambiamos su lugar dentro de la historia. ¿Podría la leyenda escapar del yugo de quienes la utilizaron para infundir miedo? ¿Podría convertirse en un aliado de quienes fueron perseguidos, explotados o expulsados? ¿Podría el mismo fantasma que alguna vez representó el poder convertirse en una figura de resistencia?

La leyenda se mueve entre el mito y la historia, entre aquello que puede ser documentado y lo que sobrevive como relato, creencia o imaginación. No se trata de decidir qué es verdadero y qué es falso, sino de observar qué historias sobreviven, quién tiene la posibilidad de contarlas y qué puede aparecer cuando esas historias vuelven a ser narradas desde otros lugares.

Más que cerrar una historia, el proyecto intenta abrir un espacio para que diversas memorias, imágenes y formas de conocimiento puedan encontrarse, confrontarse y transformarse, entre lo que heredamos y lo que todavía está por imaginar.

© Lucas Alascio

Centro Cultural Eugenio F. Virla
25 de mayo 265
del 7 al 30 de octubre de 2026

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El lugar del otro es un diálogo visual entre dos amigos, dos fotógrafos en movimiento y, de algún modo, dos migrantes. José Figueroa y Lucas Alascio compartieron años de amistad y experiencias cuando ambos vivían en Salta. Después, sus caminos se separaron. José siguió desplazándose hasta instalarse en Estocolmo, donde desde hace más de veinte años retrata con su cámara minutera a otros migrantes, personas que, como él, llevan y traen historias de un lugar a otro. Lucas eligió vivir en movimiento: desde hace casi una década recorre Sudamérica en una combi, haciendo fotografías y encontrando en el camino a personas con las que intercambia historias.

Casi dos décadas después, vuelven a encontrarse. Esta vez, el encuentro sucede a través de las imágenes y tiene como herramienta común una cámara tan sencilla como cargada de historia: la minutera, aquella cámara viajera que durante décadas ocupó las plazas de pueblos y ciudades para producir retratos en medio del tránsito cotidiano.

La cámara es, entonces, también una excusa para conversar. Y el tema de esa conversación es la migración: el movimiento, la partida, la llegada, la distancia, la necesidad de resolver la vida con lo básico, pero también el deseo, la pérdida, la memoria y la posibilidad de construir un lugar propio lejos del lugar de origen.

En un mundo de fronteras, controles e identidades digitales, estos retratos recuperan algo elemental: detenerse frente a otro, mirarlo y dejar una imagen como constancia de ese encuentro. Dos amigos vuelven a conversar después de muchos años. Lo hacen desde distintos lugares del mundo, pero frente a la misma pregunta: ¿cuál es el lugar del otro cuando todos estamos, de alguna manera, en movimiento?

MUNT - Museo de la UNT
San Martín 1545
del 8 al 30 de octubre de 2026

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En 1977, el dictador Luciano Benjamín Menéndez, Comandante del Tercer Cuerpo de Ejército, ordena realizar una película de propaganda para reivindicar la “Operación Independencia” que se lleva a cabo en Tucumán, desde hace más de dos años.

Esta operación se había gestado durante el gobierno constituyente de María Estela Martínez de Perón cuando firmó los “decretos de aniquilamiento” que ordenaron la intervención de las Fuerzas Armadas en la lucha contra la “subversión”. El objetivo era “neutralizar y/o aniquilar” a un grupo de guerrilleros del Ejército Revolucionario del Pueblo (ERP) que, instalados en la espesura del monte tucumano, realizan distintas acciones militares y políticas, como la recluta de campesinos y obreros de la industria azucarera para hacer una revolución socialista.

El despliegue militar marcó un antes y un después en la región. No solo por la cantidad de tropas y de armamento desplegado sino porque sentó las bases del terrorismo de Estado. Bajo el imaginario de ser el “Vietnam argentino”, Tucumán se transformó en un “laboratorio” donde las fuerzas armadas probaron los métodos de la “guerra contrarrevolucionaria” que habían importado de Francia y de Estados Unidos. Luego del Golpe de 1976, este dispositivo represivo se extendió a todo el país.

Para su proyecto cinematográfico, Menéndez se vale de los recursos humanos y tecnológicos de la Universidad Nacional de Córdoba, por entonces intervenida. El Departamento de Cinematografía se encuentra desmantelado y, a causa de la depuración ideológica perpetrada, ya no se imparten clases. Ante la ausencia de profesores y alumnos, uno de los últimos egresado de cine que trabaja en la Escuela de Artes, asume la dirección del film y se ocupa de reunir cámaras, luces, grabadoras de sonido, película virgen y otros elementos, que antes habían servido a los estudiantes, para realizar la cinta encargada por el dictador.

A mediados de 1977, un contingente integrado por técnicos, militares profesionales y soldados conscriptos se instala en la zona de Río Pueblo Viejo para comenzar el rodaje.

Filman el enfrentamiento entre la Fuerza de Tareas “Chañi” y la Compañía de Monte Ramón Rosa Jiménez que ocurrió el 15 de febrero de 1975. Los oficiales y suboficiales actúan como los integrantes de esa unidad de combate y los “colimbas” interpretan a los guerrilleros para lo cual han seguido la orden de dejarse crecer el pelo y la barba. Durante la filmación de un intercambio de disparos, ocurre un accidente que le habría costado la vida a un conscripto.

Pese a esto, la película se termina y, al año siguiente, se estrena en los cines del país con motivo de la conmemoración del tercer aniversario de la “Operación Independencia”, sin mayor repercusión.

En 1983, a días de las elecciones, los dictadores comenzaron a incinerar toda la documentación relacionada con “la lucha contra la subversión”, por orden del decreto confidencial 2726/83. Meses antes, el director de la película de Menéndez había muerto atropellado por un auto, mientras trabajaba de fotógrafo para la Policía. El diario lo calificó como un trágico accidente, sin embargo, algunos de sus amigos sospechan que “lo mandaron a matar” porque escondía registros fotográficos de aquel viaje a Tucumán. Hasta hoy, el supuesto archivo continúa desaparecido. Sin las fotos, todas las imágenes son posibles.

MUNT - Museo de la UNT
San Martín 1545
del 8 al 30 de octubre de 2026

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 El agujero de gusano es un atajo hipotético en el espacio—tiempo que conecta dos puntos distantes, y según la teoría, permite viajar grandes distancias en poco tiempo. Anticipados por la relatividad general de Einstein, funcionan como túneles, aunque su existencia empírica no se ha comprobado y se consideran, mayormente, una estructura teórica.

Cuando llego al lugar, Ruy me advierte que el agujero es como una chimenea de un ingenio, pero invertida. No espera que yo le conteste, supongo que debe ser una frase que repite a cada visitante. Abre otra puerta de hierro más chica que delimita otro nuevo espacio. Debajo de sus uñas hay tierra.

Hago cálculos mientras camino junto a él. Estoy a diez kilómetros de San Miguel de Tucumán, demoré veinte minutos en llegar en auto, en 2014 me llegó una notificación, fue el número veinticuatro, tres metros de diámetro el pozo, equivalente a un edificio de 12 pisos, ciento cuarenta y nueve cuerpos, treinta y ocho mil restos óseos. En ese lugar, todo empieza a perder dimensión. Espacio—tiempo en el borde de ese agujero. La única certeza son los cuerpos. Uno de ellos es el de mi padre.

La boca es grande para ser un pozo. Tiene un ascensor como una puerta de ingreso a una nave espacial que me llevará a otra dimensión. Subir al espacio es también bajar a tierra. Desaparecer y aparecer, vida y luego entierro.

Ruy me dice que debo colocarme un mameluco blanco para poder ingresar. Regresa con esa vestimenta, desde la pequeña casilla del equipo de arqueólogos tucumanos al cual pertenece. Me siento un astronauta. De niño quería serlo. La tela es fina, liviana y puede fácilmente romperse. Me ayuda a vestirme, e ingreso con mi mochila al ascensor. Cuando creo que estoy listo, le aviso con el pulgar levantado. La puerta es de tijeras y se escucha el clack del motor al arrancar. Un zumbido empieza a sonar y luego ya estoy en el descenso para atravesar ese puente de Einstein—Rosen. Son más de treinta y siete metros en otra dimensión.

Al descender, todos los ladrillos de la estructura van perdiendo su textura y emergen otras cosas. La luz empieza a diluirse, tiene otra dimensión. Miro debajo de mis pies, entre las rejillas de la estructura del ascensor, y veo otra fuente de luz que asoma por debajo y que lo cambia todo. Voy dejando la claridad que tenía al ingresar y atravieso ahora una zona oscura. Diorama vertical de capas de memoria contenidas en el pozo. Trato de imaginar qué pasó ahí dentro durante todo este tiempo. Soy fotógrafo, la cámara está dentro de mi mochila, pero no la saco, sigo intentando mirar entre esa oscuridad y la claridad que asoma desde abajo.

Estás bien Juan, me pregunta Ruy. Si levanto mi cabeza puedo ver su cara a contraluz. En el pozo su voz es un eco que sigue repitiendo mi nombre.

El zumbido del ascensor se detiene. Estiro la cabeza por unos de los espacios libres de esta especie de nave—jaula—y veo huellas.

Al llegar a casa acomodo mis zapatos al costado de la cama, y veo que se ensuciaron con la tierra del pozo. Busco la mochila, saco la cámara y la foto capta un instante de una luz ahí en otra dimensión.

MUNT - Museo de la UNT
San Martín 1545
del 8 al 30 de octubre de 2026

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En marzo de 1976, Héctor “Puchi” Vázquez, reportero gráfico de la resistencia peronista y fotoperonista, como él mismo se definía, fotografió los primeros días de la dictadura. Entre esas imágenes está la de una Plaza de Mayo vacía, en la madrugada del golpe, considerada por muchos como la primera fotografía de la dictadura.

Perseguido y amenazado, Vázquez puso parte de su archivo a salvo. Un amigo ferroviario escondió en un bolso negativos, fotografías, panfletos y otras reliquias de militancia. Con la etiqueta de un destinatario inexistente, el bolso subió al vagón postal del Estrella del Norte, el tren que unía Buenos Aires y Tucumán.

Durante más de dos años, aquellas fotografías viajaron de un extremo al otro del país, camufladas entre cartas y encomiendas. Ida y vuelta. Una y otra vez. Mientras la dictadura extendía su sombra, las imágenes permanecían en movimiento: tan expuestas que nadie las veía.

El tren fue su escondite. El viaje, su forma de sobrevivir.

Hoy, aquellas fotografías polizonas vuelven a Tucumán. Después de tantos años, vuelven del viaje. Esta vez, a la luz.

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El archivo puede ser consultado en Memoria Abierta

Producción e investigación: Claudia Pantoja

MUNT - Museo de la UNT
San Martín 1545
del 8 al 30 de octubre de 2026

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Caminar,
acto tan sencillo y natural 

Una pierna,
otra pierna, 

avanzar.

Entre fractura y movimiento
vuelve el cuerpo. 

Las grietas, 

las huellas.

Los intentos incansables de volver.

Cuerpo vuelve a ser cuerpo surge de la experiencia de habitar un cuerpo atravesado por la fragilidad y la imposibilidad de tener una forma estable de estar en el mundo.

A través de la fotografía, el video, la performance, el dibujo y el archivo, el proyecto reúne distintos registros realizados en diversos territorios entre el 2021 y el 2026.

La obra se construye como un registro continuo de transformación, insistencia y retorno, donde la sombra aparece como reflejo del cuerpo y como una forma de resistencia.

El cuerpo falla, se fragmenta, vuelve.

Las distintas piezas dialogan entre sí como parte de una misma investigación visual y corporal, donde la performance funciona como una activación viva del archivo, la imagen y el espacio.

Un cuerpo un ser es una performance vinculada a la investigación visual Cuerpo vuelve a ser cuerpo.

Después de años de registros donde el cuerpo aparece únicamente a través de la sombra, la performance marca la aparición física del cuerpo dentro de la obra.

La acción se construye a partir de la palabra, el movimiento y la presencia real del cuerpo en escena. Tierra, grietas, hojas e imágenes de sombras aparecen como extensiones materiales del universo visual presente en la videoinstalación y en el archivo fotográfico.

El cuerpo entra aquí con su peso real, su fragilidad y su falla.

La acción aparece como insistencia y resistencia. La performance propone recuperar acciones mínimas que en otro momento fueron imposibles: caminar, hablar y sostener el propio cuerpo en el espacio.

La performance funciona como la aparición efímera de un cuerpo que vuelve a ocupar el espacio desde su propia fragilidad.

MUNT - Museo de la UNT
San Martín 1545
del 8 al 30 de octubre de 2026

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De fuga y retorno (2025) / Nacer ceniza, morir maleza (2021)

Ambas obras exploran la complexión atravesada por la memoria, el desplazamiento y las violencias. Escuelas, casas, calles, Chile-Argentina vinculados a la infancia, la adolescencia, la adultez. Los primeros deseos reaparecen como geografías afectivas donde persisten las huellas de la sobrevivencia. Frente a estos espacios, el retorno no implica reconciliación; es una irrupción que desestabiliza el relato del pasado y expone heridas que continúan
abiertas.

En este tránsito emerge una corporalidad no binaria que confronta la asignación masculina, la vigilancia social y las estructuras de poder que deciden qué cuerpos
pueden ser reconocidos o habitados. Entre la fuga y el regreso, la ceniza y la maleza, la corporeidad deja de ser un espacio sometido para convertirse en
presencia política, archivo vivo y fuerza de insurrección. Las obras hacen germinar la posibilidad radical de un jardín sin sexo, una forma insistente de vida, desborda y alzada entre ruinas.

Registro de performance: Andrés Valenzuela Arellano
Ig: @andresvalenzuela.cl

MUNT - Museo de la UNT
San Martín 1545
del 8 al 30 de octubre de 2026

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La cámara acompaña en mí cada proceso y es testigo de esta investigación performática cuerpo-identidad.

Esta es una invitación a habitar lo inmoral, lo prohibido y lo innimaginable. Esto no es el cielo ni el infierno:

Aquí la sonrisa sin dientes mastica a las monjas entre risas, y cuando atardece nos crecen los colmillos que limamos entre besos. Con el sol y el alma al límite de incendiarse, arde en llamas la cuna donde afilamos las garras en pieles tersas para dejar rastro y no perdernos. Y bajo ese mismo calor comenzamos a descender… Nueve pisos. Innumerables escaleras. No hacen otra cosa que confundirnos, ahí está el juego. Caos por elección ¿O preferís el azar? 

No te preocupes, aunque tires los dados, los demonios te recibirán para crear fantasía colectiva. Y cuando les des la mano, la luna encontrará tus pupilas dilatadas en el borde de la cama...

¿Ahora me ves? Ahí estoy. Acá. Desnudo. Se siente húmedo. Frío. 

Una mesa de metal.

Un bisturí.

Prestá atención, ¿escuchás los latidos? No tengas miedo.

Acercate.

¿Ves mi corazón ensangrentado y bombeante en medio de este quirófano tan encegadoramente blanco?

Vení, tocalo. No vomites.

MUNT - Museo de la UNT
San Martín 1545
del 8 al 30 de octubre de 2026

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Esta obra de videoarte presenta un caleidoscopio de experiencias y significados centrados en perspectivas críticas sobre la maternidad y la fotografía, exploradas a través de las vivencias poéticas de 50 artistas brasileñas. Se trata de una experiencia audiovisual — que cuenta con una banda sonora de la compositora y música Gaia Wilmer —  concebida como una iniciativa artística colaborativa en el marco del proyecto "Madonnas y Fridas: Arte y maternidad como agencia política", de Ana Sabiá (ganadora del Premio de Fotografía Funarte Marc Ferrez).

Artistas participantes:

Ale Baldissarelli | Ana Flor | Ana Musova | Andrea Bernardelli | Cecília Carvalho | Chris Bueno | Clarissa Borges | Coletivo Lumaterna | Cristal Luz | Cynthia Barros | Dani De Moraes | Daniela Balestrin | Daniela Petrucci | Daniela Torrente | Di Menegazzi | Elisa Elsie | Fabi Salomao | Fernanda Klee | Ilana Bar | Irmina Walczak | Jana Cunha | Jennifer Cabral | Karen Caetano | Laura Aidar | Leticia Valverdes | Lia de Paula | Luciana Whitaker | Luiza Kons | Madame Pagu | Malu Teodoro | Mari Queiroz | Marian Starosta | Mariana Hauck | Mariana Machado | Marina Luna | Marina S. Alves | Marisi Bilini | Marta Suzi | Melissa Flores | Monique Olive | Nana Moraes | Patricia Dias Belaestilosa | Patricia Goùvea | Paula Huven | Priscila Cunaccia | Sandra Resende | Tami Orlando | Tatiana Reis | Valéria Mendonça | Zuleika de Souza

Se fue el Indio. Se fue un referente fundamental de la música, pero también de la cultura argentina. Su voz, sus canciones y su manera de mirar el mundo atravesaron generaciones y excedieron ampliamente el territorio de la música.

Desde la Bienal quisimos homenajearlo a través de las fotografías de su fotógrafo y amigo, como una manera de volver a encontrarnos con su presencia y con una parte de esa historia.

Porque cada vez que alguien se atreva a decir lo que piensa, a incomodar, a crear y a hacer de las artes un lugar para la libertad, el Indio va a seguir estando ahí.

Nombrarte veces y veces

Nombrarte los lunes, los feriados, los días de lluvia. Nombrarte para que vengas, aunque no vengas, al unísono con Gelman, veces y veces, noches y días. Mientras conversamos con amigos y desconocidos, nombrarte en los lugares que aprendiste, enseñaste, te enamoraste. Nombrarte hoy aquí, con el brillo de la luz y entre todxs.

Adriana Cecilia Mitrovich de Torres Correa, Alberto Agapito Ledo, Alberto Alfredo Núñez, Alicia Dora Cerrota de Ramos, Alicia Raquel Burdisso, Ana María Cavallero, Carlos Enrique Mosca, Carlos Juan Salim, Carlos Rafael Medina, Daniel Enrique Fontanarrosa Larraza, Dante Robinson Torres Girbau, Diego Julio Guagnini, Domingo Faustino Reales, Domingo Valentín Palavecino, Eduardo Aníbal Serrano, Efraín Villa, Emidio Ricardo González, Enrique Alberto Sánchez, Enrique Raúl Fernández Posse, Estela Josefina López de Agüero, Ezequiel Matías Claudio Pereyra Carillo, Federico Adolfo Furth, Georgina Sergia Simerman de Herrera, Gloria Constanza Curia, Gloria Susana Figueroa, Gustavo Adolfo Focchi, Gustavo Raúl Santillán, Hernán Eugenio González, Héctor Hugo Gargiulo, Horacio Marcelo Ponce Raia, Horacio Ramón Atilio Ferreyra, Humberto Adolfo Lizárraga, Humberto Reyes Morales, Ismael Adris, Ismael Salame Elías, Jhonny Vargas Orosco, Joaquín Ariño, José Antonio Cano, José Eduardo Ojeda Sierra, José Gabriel Agüero, José Manuel Cabrera, José Pascual Schettini, José Raúl Amdor, José Ramón Ponce, José Rafael Chamas Andrade, José Ulises Alba Ledesma, Juan Carlos Chaparro, Juan Carlos Di Lorenzo, Juan Carlos Espinoza, Juan Carlos Pastori, Juan Francisco Carreras, Juan Gerardo Jarma, Juan José Figueroa, Juan Manuel Olivera, Julio Álvarez García, Julio Arnaldo del Castillo, Julio Antonio Martín Martín, Julio Eduardo Galeano Álvarez Macías, Julio Oscar Zurita, Leandro Rodolfo Córdoba, Luis Alfredo Peralta, Luis Alberto Soldati, Luis Burgos, Luis Eduardo Falú, Manuel Armando Cienfuegos Chávez, Manuel Arturo Lezana, María Celestina González Gallo, María del Pilar Carmen Toledo, María Elida Morales Miy de Vallejo, María Inés del Carmen Atim, María Isabel Valoy de Guagnini, María Luisa Cerviño de Urrutia, María Teresa Cerviño de Locascio, María Teresa Sánchez de la Vega, Mario Domingo Monasterio, Mario Ivar Flores, Máximo Rojas Caballero, Miguel Ángel Figueroa Nieva, Nelly Yolanda Borda, Noemí María Mopty de D'Hiriart, Orlando Diego Romero, Óscar Alfredo Toledo Torres, Óscar Ramón Cabral, Osvaldo José Gregorio Giribaldi, Rafael Vitalino Yáñez, Ramón Américo Amaya, Ramón Oscar Bianchi, Raúl Alberto Vaca Rubio, Ricardo Daniel Somaini, Ricardo Guillermo Torres Correa, Roberto Alejandro Polanco Vallejos, Roberto Julio Romero, Roberto Justo Herrera, Roberto Ríos, Rodolfo Alberto Russo, Rodolfo Hugo Lerner, Rubén Horacio Carrazana, Rubén Molina, Santiago Augusto Díaz, Santiago Omar Vicente, Silvia Margarita Rondoletto Cenador, Susana Irene Macor de Díaz, Teresa Mercedes Guerrero de Díaz Saravia, Víctor Felipe Egloff, Víctor Hugo Safarow, Ysidoro Ferreiro Barbeito.

*Esta lista recopila y cruza los registros oficiales de los legajos estudiantiles y laborales desclasificados, las investigaciones de la propia UNT sobre sus víctimas del terrorismo de Estado y los nombres reconocidos en las placas conmemorativas y sentencias judiciales de lesa humanidad en la provincia (como las causas del Operativo Independencia, el Arsenal Miguel de Azcuénaga y la Jefatura de Policía). En el conjunto amplio confluyen perfiles de distintas facultades (como Filosofía y Letras, Derecho, Ciencias Económicas, Medicina y Artes) y oficios vinculados al ámbito universitario. La totalidad de los nombres que integran este registro pertenece a la comunidad de la Universidad Nacional de Tucumán.

MUNT - Museo de la UNT
San Martín 1545
del 8 al 30 de octubre de 2026

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¿Qué es el Proyecto Santuario?

Proyecto Santuario es una iniciativa fotodocumental, artística y colectiva ideada por Gretel Martínez y Julio Pantoja, que propone un espacio de reflexión, encuentro y acción en torno a la relación entre territorio, comunidad. El proyecto parte de una mirada situada que entiende la fotografía como una herramienta ética y poética, capaz de registrar pero también, cuidar, transformar e interactuar con las realidades que habita.

Su eje conceptual es la idea del “santuario” como refugio simbólico y político: un territorio donde la imagen protege, resiste y repara frente a los procesos de degradación cultural y social. Desde esa perspectiva, el proyecto articula prácticas visuales, performativas y comunitarias que ponen en diálogo arte contemporáneo, documentalismo y acción colectiva.

Proyecto Santuario convoca a fotógrafes, artistas, investigadores, activistas y comunidades locales a replicar esta instalación de modo libre, en espacios como encuentros, festivales, ferias, jornadas, o cualquier otro evento donde un “altar” laico y profano invite a la reflexión sobre qué hacemos con la fotografía en los tiempos que nos tocan. Cada versión necesariamente se adaptará a su contexto, generando una plataforma viva que permita consolidar redes y lazos de fraternidad y camaradería a partir de las reflexiones que genere.

Más que una obra de arte, “Santuario” es una red en expansión. Su estructura abierta invita a fotógrafes, artistas, investigadores, activistas y comunidades locales -personas o colectivos- lo repliquen libremente en distintos territorios, conservando su espíritu afectivo, ético y horizontal. Así, el proyecto se convierte en una práctica de hospitalidad y resistencia: una trama de miradas que, desde la fotografía, buscan proteger la vida frente a la intemperie.

© Alejandro López

Consultorio
San Lorenzo 634
del 9 al 30 de octubre de 2026

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“Otra potencia de actuar” reúne la obra de Adrían Sosa y Alejandro Lopez, cuyas prácticas giran en torno a la performance y se encuentra en la fotografía a través del intercambio sobre el proceso y la práctica. Acompañan esta exposición, invitados a pensar este encuentro desde la escritura, Gabriel Varsanyi y Soledad Sanchez Goldar. Adrian, tucumano; Alejandro, Jujeño; ambos artistas con un pensamiento situado en su territorio que, aunque particular, comparten lazos históricos, formas de operar y una potencia concentrada en una imagen.

El Griego Libros
Muñecas 287
del 7 de octubre al 15 de noviembre de 2026

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Desde el Jardín es un recorte, una reflexión sensible atravesada por la naturaleza. Construyó climas, densidades y contrastes a través de una paleta de matices. Elaborados sobre uno de los ejes fundamentales de la fotografía —la luz—, la serie se convierte en sustancia poética, donde el paisaje se revela como una panorámica perfecta.

                                                                               Atilio Orellana, Curador.